26 octubre 2005

Peter Gabriel


Es un tipo muy inspirado y sabe compartirlo. No hay duda.

En el año 2002 comenzó la gira llamada “Growing Up”, tocando en su mayoría los temas del último disco de estudio “Up” y una selección de sus canciones más conocidas (In your Eyes, Red Rain, Sledgehammer, Mercy Street, Digging in the Dirt, etc).

"Hace casi diez años que no iba de gira. Dejar de tocar tu música implica una relación distinta con el público. Si tuviera que elegir entre actuar y escribir elegiría, sin pensarlo, actuar. Disfruto mucho salir a la carretera y, aunque nos llevó un tiempo asentar la banda, ahora la siento muy sólida y sigue siendo divertido".

Durante el concierto realiza uno de los despliegues más creativos de su carrera: anda en bicicleta, se cuelga boca abajo en un pretil, usa una barca de remos e inclusive canta “Growing Up” dentro de una esfera luminosa enorme, con la cual se transporta y rebota al ritmo sobre el escenario.

"Lo de la esfera es algo muy divertido de hacer, la encontré en una página de Internet sobre deportes de riesgo y la utilizo en la canción Growing Up. No es necesario ser un atleta para usarla, aunque me llevó un tiempo aprender a maniobrarla."

“Siempre me ha gustado alternar conciertos solo musicales con otros que incluyan además algún tipo de espectáculo visual. Es algo que me ha encantado desde mis inicios, sobre todo en los últimos tiempos cuando he podido trabajar con el director escénico francés Robert Lepage, que es simplemente brillante.”

"Yo diría que es algo mucho más simple que esa gran ambición wagneriana. Me encanta el cine, por ejemplo, y cuando haces buena música para cine obtienes algo muy poderoso compuesto de la fuerza de la imagen y de la música ligada a ella. Yo simplemente disfruto lo que hago, pero si puedo incluir actuaciones y elementos visuales, la música se enriquece y se transforma".

Quizás las canciones más oscuras del recital sean las que pertenecen al disco “Up”. No es casualidad tampoco que el primer tema del álbum se llame “Darkness” (Oscuridad).

“En el primer tema, “Darkness”, te introduce en “la casa en el bosque”, donde se exploran los temores y la imaginación de la infancia para ir aceptándolos gradualmente. A continuación, “Growing Up” (“Madurando”) contempla la naturaleza efímera de las cosas y cómo el hombre intenta encontrar su sitio en la estructura del universo y en la estructura de su vida.”

“Después, “Sky Blue” (“Cielo azul”) habla de perder el rumbo en la vida y en el amor, y encontrar en la inmensidad de la naturaleza una forma de afrontar la soledad. Luego, en “No Way Out” (“Sin salida”), la vida corriente “nadando en una bolsa de plástico” es arrancada por un accidente de tráfico. La primera crudeza del dolor y el seguir adelante son experiencias que se tratan con ternura en “I Grieve” (“Sufro”).”

“La canción más escueta del disco se llama “The Drop” (“La gota”). La llamo mi pequeño sorbete. Tiene lugar en el cielo, en un avión mirando a través de las nubes e intentando imaginar qué hay más allá. Le sigue “More Than This” (“Más que esto”), el tema más positivo y edificante con una confirmación de que “existe algo más allá”. Es uno de los temas que surgió mientras toqueteaba la guitarra.”

“Supongo que “The Barry Williams Show” tiene cierto humor: explora los límites de la televisión basura y el emparejamiento entre comportamiento disfuncional y televisión de masas. Hay un gran contraste con el tema siguiente, “My Head Sounds Like That” (“Mi cabeza suena así”), que es tranquilo e introspectivo, y en el que hablo de un estado mental en el que la parálisis realza la sensibilidad para oír, de forma parecida a como la sensación de que vas a vomitar te hace muy sensible al olfato.”

“En audio la expresión “signal to noise ratio” (relación señal / ruido) se utiliza para indicar el nivel de fuerza de una señal sonora en relación con el ruido de fondo. En este último tema, “Signal to Noise”, la señal a la que me refiero es un sentido de moralidad personal y compasión.”

Hay un lapso de 10 años entre “Up” y su disco anterior llamado “Us” (con Steam, Blood of Eden, Digging in the dirt, Kiss that frog, etc).

“En estos últimos siete años he estado trabajando en más de 130 ideas diferentes, y después de los álbumes OVO y The Long Walk Home, éste es el tercer proyecto que se desarrolla a partir de esa colección de material. Se han registrado tantos centenares de horas de grabación que este álbum (Up) probablemente sea el primero en contar con su propio departamento de arqueología.”

“Este álbum es algo así como arriba y abajo, más vertical que horizontal, y eso se va a ver reflejado en mi próxima gira.”

" (Up) Es una palabra muy positiva y yo aprecié ese aspecto. Cuando escucho el álbum hay definitivamente algunas canciones más oscuras allí. Pero yo me siento de buen humor actualmente y yo pienso que el registro es más “Up” que la última pareja de álbumes. Pero pienso siempre que es más duro escribir la música feliz que la música triste."

“A mi me gusta, pero pienso que es un disco difícil para alguna gente. Se toma un tiempo para adentrarse en él. “

“Este álbum es un registro de “finales de libros”, que se preocupa más del principio y del final de la vida que de lo que transcurre en el medio. Reconozco que es un álbum personal, que refleja la vida que surge de la muerte, y que reconoce modelos y fuerzas que actúan por encima y por debajo de nuestro enfoque habitual.”

“Las influencias de la luna y del agua proporcionan un telón de fondo al disco. Mi idea es enviar el álbum a varios grupos por todo el mundo para que se pueda hacer una Serie de los Ríos con Up – “Up the Orinoco”, “Up the Amazon”, “Up the Mississippi”, “Up the Ganges”, etc.”

Respondiendo a la demanda de Peter Gabriel, se anotaron alrededor de 20.000 personas en su sitio web (Full Moon Club) a los efectos de escuchar partes del álbum “Up” a medida que iba saliendo, coincidiendo cada mes con la aparición de la luna llena: “sólo hay que mantenerse atento al cielo por la noche para saber cuándo va a ser la próxima descarga de música.”

A lo largo del disco “Up” se puede escuchar una mayor fusión de sonidos electrónicos y étnicos, y fundamentalmente, una gran variedad de sonidos de batería y percusión.

“Para mí, el ritmo sigue siendo el corazón de mucho de lo que lo hago. Era un batería malo. Comencé como batería en una banda de jazz, y después en una banda de soul, y no era muy bueno en ella Pero era muy entusiasta. Ahora vivo delegando a través de baterías extraordinarios con quienes trabajo -Manu Katche, Ged Lynch, Steve Gadd-. Son baterías realmente buenos. También puede acumularse la percusión con las máquinas de percusión y programas -herramientas y dios sabe qué más-. Usted puede realmente esculpir ritmos de una manera que no era posible antes. En la canción "No Way Out," utilicé el tratamiento de la percusión (en computadora) de manera que rompe el sonido en partículas y después las vuelve a montar. Tengo normalmente un demo con una parte de máquina de percusión. Todavía encuentro la percusión de maquina más rápida trabajando en la computadora para mí. El batería trabajará esa pista generalmente, y puedo perder a veces el material programado, o trabajarán junto a ella. Amo hacer eso, cuando se consigue que la máquina y el ser humano estén enchufados juntos.”


(Información extractada de entrevistas publicadas en Diario El País -España-, Ultrasónica -Xavier Valiño-, Diario Francés, Diario mexicano “La mosca en la pared” -Pedro Montaño-, Jim Derogatis, y sitio oficial de Peter Gabriel)


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25 octubre 2005

Real World


Luego de escuchar distintas músicas tradicionales del mundo, Peter Gabriel imaginó un lugar de encuentro para tantas manifestaciones desconocidas al público en general.

Allá por 1974 se instaló en el campo, convirtiendo su granero en un estudio de grabación de ocho pistas, aislado con cajas de huevos.

Ese lugar hoy cuenta con la más alta tecnología. En un espacio de alrededor de 5 hectáreas ha invertido millones, y actualmente tiene unos 80 empleados.

La zona es aledaña a Box, un pueblito inglés rodeado de colinas. El tren pasa a pocos metros del estudio.

Gabriel confesó que prefería invertir el dinero de los derechos de autor y las ventas de sus discos de esta manera, en lugar de comprar mansiones en Los Angeles: “Hace que mi vida sea más interesante” dijo.

Para diseñar los estudios Real World se contrató a un arquitecto ajeno al medio musical. La estructura del estudio descansa sobre muelles hidráulicos que lo protegen de las vibraciones del tren, y fue aislada con un sistema a prueba de terremotos.

Usan una mesa de grabación digital Sony OXF/R3, de la cual solo hay otros dos ejemplares en el mundo.

Tiene doce habitaciones para residir y cocina incluida.

También es la sede de otro de sus proyectos: Womad (World of Music, Arts and Dance). Son los encargados de realizar festivales de música del mundo. A pesar de no ser muy redituable, aún continúa luchando por lograr su objetivo de mostrar el potencial de una sociedad pluricultural. Han realizado muestras donde participan simultáneamente músicos como Salif Keita, Olodum, Papa Wemba y Totó la Momposina, entre otros.

El catálogo actual de discos nos muestra alrededor de 150 opciones diferentes.

Podemos encontrar canciones de la asiática Sheila Chandra, con una voz sensual y profunda, de la cantante Mari Boine, proveniente de la parte ártica de Europa, o del ya desaparecido Nusrat Fateh Ali Khan, con una voz de rara intensidad emocional.

También hay ritmos y percusiones africanas de la mano de Eyuphuro, Ghorwane o Remmy Ongala, y otra gran cantidad de artistas provenientes de Cuba, Méjico o China.

Para ver el catálogo de artistas ir a:

(información extractada del sitio oficial de Real World y de la revista Planeta Humano Nº 1, marzo 1998)

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24 octubre 2005

La ética del ordenador


La aplicación de la metáfora del ordenador a las personas y a la sociedad hace asimismo imposible la ética real. La optimización de los seres humanos y las empresas en términos de ordenadores conduce a la lógica de la velocidad, y ésta tiende a hacer que nuestras vidas pasen a estar basadas en otra forma de supervivencia.

A altas velocidades, la meta social pasa a ser la misma que buscan los conductores de bólidos: mantener el vehículo estable de modo que no se salga de la pista. Aquí, el ideal de la estabilidad amenaza con sustituir nuevamente a la ética.

Cabría decir que, por ejemplo, existe una barrera de la ética, una velocidad rebasada en la cual la ética deja de existir. Una vez alcanzado ese punto, la única meta que queda es la de sobrevivir aquí y ahora. Pero sólo quienes no se centran meramente en el ahora para garantizarse su propia supervivencia son capaces de velar por los demás.

La eticidad exige pensar sin premuras de tiempo. La eticidad requiere asimismo una perspectiva temporal más amplia, es decir, responsabilizarse respecto a las consecuencias futuras de las tendencias dominantes y tener la capacidad de imaginar el mundo de forma diferente a la actual.

En consideración a este segundo y profundo problema de nuestra era, los hackers vuelven a ser capaces de ofrecer un ejemplo más o menos simbólico de una relación distinta y más comprensiva con el tiempo. Por ejemplo, Danny Hillis ha señalado que la humanidad se mueve a tal velocidad de desarrollo que es incapaz de ver nada salvo aquello que ya está aquí o, en el mejor de los casos, lo que se viene encima dentro de un par de años, debido a la velocidad general. En 1993 escribió: "Cuando yo era niño, la gente solía hablar de lo que sucedería en el año 2000. Ahora, tres décadas después, todavía hablan de qué sucederá el año 2001. El futuro ha ido retrocediendo año a año a lo largo de mi vida”.

Para contrarrestarlo, los hackers tradicionalmente se han reservado tiempo para experimentos imaginarios en relación incluso al futuro más distante.
Sabemos que los hackers informáticos se han sentido siempre cómodos en las investigaciones sobre el futuro y que muchos de ellos son grandes aficionados a la ciencia ficción. Así, no debe sorprendernos que un grupo de hackers se uniera a Hillis para lanzar la Long Now Foundation, cuya finalidad es alterar nuestra concepción del tiempo. El principal proyecto de la fundación consiste en construir un reloj que simbolice y estimule el pensamiento a largo plazo. Hillis escribía en este sentido: “Quiero construir un reloj que funcione una vez al año. La manecilla del siglo avanzará una vez cada cien años y el cuco saldrá cada milenio para anunciar los próximos diez mil años”.

Brian Eno, padre de la música ambient y otro de los miembros fundadores, lo bautizó como Reloj del Largo Ahora. Otros integrantes del proyecto son Mitch Kapor y Stewart Brand, que, como hemos visto, también fueron los fundadores de la Electronic Frontier Foundation. Los diversos diseños que se barajaban como propuestas para dar forma real al aparato temporal iban desde un gigantesco mecanismo relojero en el desierto de California hasta la idea de Peter Gabriel de construir un jardín en el que las efímeras flores marcaran el paso de las estaciones, y las secoyas gigantes, el paso de los años.

En fecha reciente, la fundación se ha decidido a adquirir unos terrenos para el reloj contiguos al Parque Nacional Great Basin en Nevada. Lo principal del reloj, sin duda, no es su mecanismo sino su capacidad de ponernos simbólicamente en sintonía con un sentido diferente del tiempo. Está pensado para ser un símbolo ético, similar a las primeras imágenes del planeta azul publicadas por la NASA en 1971. Aquellas imágenes nos hicieron ver la tierra como un todo y también como un pequeño y frágil planeta en medio de la inmensidad del espacio exterior, y por ello los grupos ecologistas las escogieron como símbolos.

En el Reloj del Largo Ahora, la tecnología es eliminada del modelo de temporalidad dominante en la sociedad red, y puesta al servicio de un ritmo que da una oportunidad a la preocupación responsable. Nos lleva desde el ideal de mantener la estabilidad a gran velocidad al de un ser ético genuino.

(Extractado de “La ética del hacker y el espíritu de la era de la información”, escrito por Pekka Himanen)

Aporte de Enrique Aguerre

Talking Drum


El Talking Drum es un tambor originario de Ghana, aunque también es muy usado en Nigeria.

En el pasado fue usado para alertar cuando una tribu invadía a otra, o si alguien se extraviaba en la jungla, si fallecía algún jefe importante, etc. Principalmente era usado como medio de comunicación para informar, pero también como instrumento musical en los festivales y funerales.

Con el advenimiento del teléfono, la radio y la televisión, su uso quedó restringido puramente para la música, junto con otros tambores como el Kpanlogo y el Gome.

El Gome es un cajón donde el ejecutante se sienta y toca con sus manos en la superficie principal (similar al cajón peruano o flamenco), la cual está armada con una piel de animal. Con los pies se controla y cambia el tono del sonido, presionando en el cuero de la superficie con diferentes intensidades.

En forma similar, el tono del Talking Drum se altera presionando el tambor contra el cuerpo. El instrumento está construido con tirantes que al ser apretados tensan la superficie percutible del tambor, logrando de esta manera diferentes tonos mientras se lo aprieta y simultáneamente se golpea con un palo curvo.

Francis Awe es uno de los maestros de este instrumento. Actualmente desarrolla distintos tipos de Talking Drum para los fabricantes de instrumentos REMO. Los hay de diferentes tamaños y pueden ser usados en conjunto, cumpliendo roles en un ensamble. El líder melódico es el tambor más grande, conocido como Iyailu. Luego le siguen en orden decreciente los llamados Ejin, Esaju y el más pequeño, Kanago.

Talking Drum - fotos







San José de Carrasco I

Hoy no están las estrellas tatuadas en la carne negra del cielo.

Me gusta mirar esos puntos blancos allá arriba.

Pero hoy no es noche de estrellas.

El viento ruge mientras se filtra entre las ramas de los eucaliptus.

Soplidos ásperos que emergen entre los árboles.

Mis murmullos se aquietan. El tiempo se suspende.

Estoy pronto para dejarme llevar.

No hay nada humano ahí afuera.

18 octubre 2005

La historia de Lars Stroschen

Lars Stroschen es un artista alemán interesado en la música, el dibujo, la fotografía y hasta en construir sus propios muebles.

Estudió comunicación visual en la Escuela de Bellas Artes de Berlín, y paralelamente trabajó como fotógrafo y técnico de sonido.

En sus viajes comenzó a coleccionar sonidos, y esa fue la base para sus primeros trabajos con música experimental. Poco a poco fue construyendo su estudio de sonido profesional especializado en música electroacústica.

Trabajó en la radio como autor de una emisión especial de música electrónica y realizó diversas composiciones de demostración, hasta que firmó un contrato con un sello disquero de Hamburgo, y poco después con uno en París.

A partir de ese momento se presenta en todos sus proyectos con el nombre PROPELLER ISLAND, inspirado en el nombre de una isla artificial que navega con sus pasajeros por los mares del mundo, lo cual fuera imaginado por el escritor Julio Verne y retratado en uno de sus libros.

Se independiza y funda su propio sello con ese nombre, y publica CD´s musicales, esculturas acústicas e inclusive librerías de sonido, entre las cuales figuran los pianos preparados al estilo de John Cage, y gongs y gamelan típicos de Indonesia.

Para poder financiar sus proyectos musicales decidió construir en su apartamento dos cuartos de huéspedes para alquilar. Diseñar habitaciones normales le parecía aburrido, entonces dio origen a los primeros cuartos originales del futuro Hotel Propeller Island City Lodge.

Lars confiesa que no tiene tiempo ahora para sus proyectos musicales, pero ha expandido su hotel constantemente, incluyendo habitaciones muy originales.

Todo el mobiliario fue construido por él, y ha equipado cada habitación con un sistema de sonido por medio del cual cada huésped puede experimentar los sonidos, la música y las esculturas acústicas compuestas especialmente para el lugar.

Cada cuarto es tan particular que las autoridades lo han obligado a dar a los huéspedes un manual de instrucciones para el correcto uso de las habitaciones.

Pueden consultar más detalles en:

La historia de Lars Stroschen - fotos











El cuarto acolchonado, el cubo del espacio, el cuarto al revés, de los símbolos, etc.

17 octubre 2005

Udu


El Udu Drum es un jarrón que se usa en la música como instrumento de percusión. Se percute en la boca y en un agujero adicional que se le hace al costado, en la panza del mismo.

Dicen que es originario de Nigeria, específicamente de las etnias Ibo y Hausa.
Udu significa literalmente cerámica o alfarería, y también “paz”.

Su sonido está emparentado con el Tabla hindú y el Talking Drum africano.

Se reconoce como pionero en el desarrollo del Udu al diseñador Frank Giorgini, quien lo descubriera en 1974, en Zaria, Nigeria, durante un viaje de aprendizaje. Actualmente trabaja en nuevos diseños para los fabricantes de instrumentos de percusión LP, y mantiene una exposición permanente en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York.

Udu - fotos










12 octubre 2005

El Grillo


Recientemente, físicos de la Universidad de Twente en Holanda, comunicaron que lograron hacer una réplica de las terminaciones capilares de los grillos, consideradas los detectores de ruido más sensibles de la naturaleza. Los vellos son capaces de detectar las más pequeñas fluctuaciones en las corrientes de aire causadas por el aleteo de una avispa o el ataque de una araña, por ejemplo.

Según la revista “Journal of Micromechanics and Microengineering” la finalidad es desarrollar sensores diminutos capaces de ayudar en la lucha contra la sordera o visualizar el flujo de aire en superficies, como el fuselaje de un avión (Agencias EFE Washington).

Los grillos también “escuchan” a través de un tímpano que tienen ubicado en la “rodilla” de la pata delantera derecha. Es la forma en que recepcionan los conocidos cantos que emiten en la noche.

El grillo macho es quien canta de una forma especial para llamar a la hembra (frotando una fila de dientes en la superficie inferior de sus alas), pero el canto varía según la situación. También tiene “canciones” de cortejo que solo ejecuta cuando ambos han hecho contacto con sus antenas, o cantos de aviso en situaciones de alarma. Cuando un macho combate con otro tiene un canto agresivo que avisa a los otros para que mantengan la distancia.

En China y Japón es un animal doméstico. Antiguamente era un hobby elegante mantener cautivos a los grillos en hermosas jaulas de oro, madera o bambú para poder disfrutar de sus cantos en los Palacios o en el seno del hogar (puede verse una gran variedad de cajas en algunos museos chinos). Hoy día pueden encontrarse en el mercado de Shangai distintos tipos de potes para albergarlos.

Los chinos admiran el canto de diferentes especies, principalmente las llamadas Suzumushi, Matsumushi , y Enma-koorogi .
Desde hace más de 2000 años existen referencias de poetas, músicos y monjes budistas que mantienen grillos cautivos como mascotas cantantes.

Pero el dato más interesante es el que insinúa en sus manifiestos el señor Samael Aun Weor, quien iniciara en Méjico la corriente de estudios filosóficos llamada Gnosis.

A continuación transcribo fragmentos en los cuales hace referencia al sonido del grillo como auspiciante de otros estados de conciencia:

“Existe un místico sonido que el yogui debe aprender a escuchar. Los Aztecas conocieron ese místico sonido. Recordemos el cerro de Chapultepec. Un Códice mexicano representa sobre el cerro a un grillo. En la Roma Antigua de los Césares el grillo era vendido entre jaulas de oro a precios elevadísimos. Los magos de la antigua Roma compraban ese animalito para emplearlo en la Magia Práctica.

Si tenemos ese animalito cerca, a la cabecera de la cama, y si meditamos en su canto delicioso, entonces escucharemos la sutil voz en instantes de estar dormitando. Este fenómeno es semejante al de dos pianos igualmente afinados. Sí tocamos por ejemplo, la nota SI de cualquiera de los dos pianos, en el otro piano se repite la misma nota sin que mano humana la toque. Este es un fenómeno vibratorio muy interesante que cualquiera puede comprobar. Cosa exacta sucede con el canto misterioso del grillo. Dentro del cerebro humano existe el místico sonido que resuena cuando el animalito canta. Es cuestión de afinidad y vibración.”

“Dentro del cerebro humano, en el interior de sus celdillas, resuena incesantemente la "sutil voz". Es un sonido sibilante agudo, es el "canto del grillo", la Voz del Brahama. Tiene diez tonalidades que el Teúrgo debe aprender a escuchar. La mente del estudiante debe absorberse en ese sonido como abeja en el néctar de las flores.

Aquel que desee escuchar el sonido Anahat debe vaciar su mente, tener la mente "quieta", no "aquietada"; repetimos, quieta". El que intente y se proponga escuchar ese místico sonido, que mantenga la mente en silencio, no silenciada, repetimos, en silencio.

Distíngase entre una mente que está quieta porque ha comprendido que es inútil pensar; y una mente aquietada artificialmente. Diferénciese, entre una mente que está en silencio natural, espontáneamente, y una mente que está silenciada a la fuerza, violentamente.

Cuando la mente está quieta, en profundo silencio, el estudiante si puede escuchar inevitablemente el sonido del grillo, un sonido sutil agudo, penetrante. Aún más si el alma se absorbe dentro de este místico sonido se abren para el estudiante las puertas del misterio, pues en esos instantes, levántese del lecho…”

“Aquel que sabe escuchar la sutil voz, puede salir instantáneamente en cuerpo astral cada vez que quiera. Si el devoto se concentra en el canto del grillo..., si el yogui medita en el canto del grillo..., si el yogui se adormece escuchando ese canto, pronto resonará dentro de su cerebro el mismo canto, el místico sonido, la sutil voz. Entonces las puertas del misterio están abiertas. En esos instantes puede el Gnóstico levantarse de su lecho con toda naturalidad”

El Grillo - fotos







Podemos ver distintos tipos de grillos chinos e imágenes de potes en el mercado de Shangai.